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48 Stunden Neukölln

kadekmedien — Sun, 28 Jun 2009 17:47:50 +0000

Am diesem letzten Juni-Wochenende fand zum elften Mal Berlins größtes Kunst- und Kulturfestival 48 Stunden Neukölln statt – dieses Jahr mit Schwerpunktthema „Humus Neukölln“. Ein nicht nur metaphorisch gemeinter Titel, denn außer dem Festival erfreut sich auch die quirlige Kunstszene des von außen oftmals nur als sozialer Brennpunkt wahrgenommenen Bezirks eines ungebrochenen Wachstums. Auf Art&Events habe ich heute schon einen Beitrag veröffentlicht. Hier möchte ich nun noch eine kleine Auswahl meiner fotografischen Eindrücke hochladen.

CoachingCulture Gallery: Der Geheime Garten / Foto: kdk

CCG: Der Geheime Garten - Skulptur von Ralf Rose / Foto: kdk

CCG: Der Geheime Garten - Titelbild von Gerard Waskievitz - Mercedes, die für das Bild Modell stand, tut es für mein Foto wieder... / Foto: kdk

CoachingCulture Gallery: die Galeristinnen Christine Balbach (l) und Michaela Helfrich (r) / Foto: kdk

CoachingCulture Gallery: Der Geheime Garten / Foto: kdk

CCG: Der Geheime Garten - Bilder von Mark Jason Kemp / Foto: kdk

CCG: Der Geheime Garten - Skulptur von Ralf Rose / Foto: kdk

Kunst im Turm - im Atelier von Armin Paul / Foto: kdk

Nomen est Omen? - Neuköllner Rathaus mit Puma-Flagge / Foto: kdk

Alte Post - Humus Neukölln ist Schwerpunktthema 2009 / Foto: kdk

Alte Post - Erde aus allen Winkeln der Erde / Foto: kdk

Steyer/Scharnofske electro acoustic music between breakbeat and jazz zur Eröffnung von Ima Picó STICKERS im Projektraum Schwarz / Foto: kdk

VollGut - Vollgut-Lager Alte Kindl-Brauerei - Hunger-Hasen von Jörg Wenning / Foto: kdk

VollGut - Jörg Wenning zwischen seinen Skulpturen / Foto: kdk

VollGut - Vollgut-Lager Alte Kindl-Brauerei - Tatoovierte Nacktkatze / Foto: kdk

VollGut - Vollgut-Lager Alte Kindl-Brauerei - Hieb & Stichfest / Foto: kdk

VollGut - Vollgut-Lager Alte Kindl-Brauerei - Tomasz Kaczmarzyk / Foto: kdk

VollGut - Vollgut-Lager Alte Kindl-Brauerei - Martin Kurpiers Ideenkosmos Silencium / Foto: kdk

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Open Weekend und Gallery Weekend Berlin

kadekmedien — Sun, 03 May 2009 17:03:02 +0000

Wenn ich es nicht schon längst wüsste, hätte ich mich an diesem ersten Wochenende im Mai davon überzeugen lassen: Berlin ist eine Kunststadt im Weltklasseformat. Vierzig renommierte Berliner Galerien haben wieder zum Gallery Weekend Berlin eingeladen. Und zahlreiche junge Galerien – überwiegend aus Mitte – haben parallel dazu ihre neuen Ausstellungen ebenfalls mit verlängerten Öffnungszeiten einem breiteren Publikum präsentiert.

Als ich mein Preview für Arts&Events schrieb, dachte ich eigentlich, dass es mit einem ausgeklügelten Plan möglich sein sollte, alle zu sehen. Lustig, wie man sich selbst täuschen kann… Letztlich muss ich zugeben, ich habe wesentlich mehr gesehen, als ich mir vorgenommen hatte, und das war trotzdem bei weitem nicht alles. Hinterher ist man eben immer klüger…

Berlin – Kunststadt im Weltklasseformat

Galerie Barbara Thumm - Martin Dammann - Aquarelle und Zeichnungen ©_Foto:2009_KDK

Galerie Barbara Thumm

WENTRUP - Gregor Hildebrandt - Daß dieser Mai nie ende ©_Foto:2009_KDK

WENTRUP

ScheiblerMitte - Stefan Löffelhardt ©_Foto:2009_KDK

ScheiblerMitte

CUC Charim Ungar Contemporary - Eva Schlegel ©_Foto:2009_KDK

CUC Charim Ungar Contemporary

Galerie Thomas Schulte - Iñigo Manglano-Ovalle ©_Foto:2009_KDK

Galerie Thomas Schulte

artSPACEberlin - Cristina Salvoldi - Skulpturen ©_Foto:2009_KDK

artSPACEberlin - Cristina Salvoldi - Die Künstlerin mit Skulptur ihrer spielenden Tochter ©_Foto:2009_KDK

Besuchen Sie auch die Website von Cristina Salvoldi

artSPACEberlin - Michel Carré - Gemälde ©_Foto:2009_KDK

artSPACEberlin

Kunstagenten - Thorsten Brinkmann ©_Foto:2009_KDK

Kunstagenten

Janine Bean Gallery - Vanessa von Heydebreck - „Papercuts Can Hurt, Too“, Zeichnungen, Aquarelle ©_Foto:2009_KDK

Janine Bean Gallery

Streetart in der Torstraße ©_Foto:2009_KDK

Galerie Caprice Horn - Norbert Brunner ©_Foto:2009_KDK

Galerie Caprice Horn - Khaled Hafez ©_Foto:2009_KDK

Galerie Caprice Horn

Kuckei + Kuckei - Jörn Vanhöfen ©_Foto:2009_KDK

Kuckei + Kuckei

Galerie Isabella Czarnowska - Silva Agostini - Am hellichten Tag ©_Foto:2009_KDK

Galerie Isabella Czarnowska

Galerie CRONE - Georg Karl Pfahler ©_Foto:2009_KDK

Galerie CRONE

Galerie Michael Janssen - Aaron Spangler - Paranoid Defenders ©_Foto:2009_KDK

Galerie Michael Janssen

Jablonka Galerie - Eric Fischl ©_Foto:2009_KDK

Jablonka Galerie

ftc fiedler taubert contemporary - Dionisio Gonzáles - Post Utopias ©_Foto:2009_KDK

ftc fiedler taubert contemporary

Bourouina - Yann Toma ©_Foto:2009_KDK

Bourouina

ifa Institut für Auslandsbeziehungen - El Hadji Mansour ©_Foto:2009_KDK

ifa Institut für Auslandsbeziehungen

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Mut zur Hässlichkeit: Valentina Bardazzi in Deutschland

kadekmedien — Sat, 18 Apr 2009 09:36:44 +0000

Valentina Bardazzi – in deutschen Ohren klingt dieser Name wunderschön. Und die italienische Künstlerin, die so heißt, ist eine mindestens ebenso wunderschöne junge Frau. Doch davon wusste ich noch gar nichts, als ich ihren Namen in einem Interview mit Fridey Mickel zum ersten Mal hörte. Stattdessen benannte die Berliner Galeristin im Zusammenhang mit einer unmittelbar bevorstehenden Ausstellung diverse Aspekte von Hässlichkeit in Bardazzis Bildern und betonte überdies, dass ein Besuch der Ausstellung sich schon deshalb lohne, weil es sich um Malerei aus Nord-Italien handele, „vielleicht die distinguierteste Malerei Europas“.

Natürlich besuchte ich die Vernissage und sah mich gleich am Eingang mit dem überdimensionierten Abbild eines exhibitionistisch detailgetreu wiedergegebenen Gebisses konfrontiert. Ergrautes Vergilben inmitten einer fleischthekenroten Übertreibung von Lebendigem – die Unterlippe wie von Geisterhand herunter gezogen, weniger um natürlich unebene Zähne und zurückgehendes Zahnfleisch zu offenbaren, als vielmehr die unumstößliche Tatsache, dass Leben – Sein – Dasein ein flüchtiger, weil fortwährender Veränderungsprozess ist, vom Entstehen zum Vergehen… Quentin Tarantinos großartiger Kultfilm From Dusk Till Dawn kam mir in den Sinn… von ungefähr? – Dieses Gemälde zeigte weder ein gewinnendes Lächeln noch zynischen Biss – eher ein lapidar wie zur Prüfung gewaltsam geöffneter Mund vor dem anstehenden Verkauf der Ware auf einem Sklaven- oder Viehmarkt, und ebenso brutal wie rücksichtslos.

Valentina Bardazzi: Selbstportrait, 2008, Acryl und Bleistift auf Holz, 56 x 33 cm

Das Schlimme daran: der Betrachter konnte sich weder dem durch den Tabubruch hervorgerufenen Schock noch der Faszination des Widerlichen entziehen, denn das Gemälde gleich nebenan zeigte den nackten Körper einer völlig teilnahmslosen jungen Frau im gleichen Kontext: das lapidare Zur-Schau-Stellen eines angegriffenen So-und-nicht-anders-Seins, kranke Wahrheit auf brutal nackte Weise der Persönlichkeit beraubt. Kein Gesicht, das es erlaubte, die Dargestellte zu identifizieren. Stattdessen Hämatome in den Armbeugen und am Oberschenkel: Wunden? Eine Allergie? Abszesse eines Junkies? – Fixed Drug Eruption, so las ich, heißt das Bild, und ich fand das irgendwie beruhigend…

Valentina Bardazzi: Spring Cancer 02, 2008, Acryl, Bleistift, Tinte und Alkohol auf Holz, 26 x 26 cm

Und dann im Raum nebenan die Serie Spring Cancer. Fratzen die Entsetzen hervorrufen, collagiert und entstellt, um einen Blick ins wahre Innere der Gezeigten freizugeben. Woher nimmt eine so zierliche, schöne junge Dame den Mut, so viel Hässlichkeit so schonungslos offen zu legen? Woher die Kraft, sie auszustellen? Strapaziert diese italienische Künstlerin nicht das nationale Credo ihrer Heimat, indem sie es nicht nur in Frage stellt, sondern auch gleich eine Antwort mitliefert? Bella Italia, nichts ist wie es scheint?

Ohne Titel für Parenthesyne Suite

Beinahe schon milde stimmend, die ihrer Signalfarbigkeit beraubten, gelbgrauen Gemälde runzeliger Hände der Parenthesyne Serie, die Valentina Bardazzi gemeinsam mit ihrem Partner Mirco Magnani seit Ende 2007 erarbeitet hat. Eingescannte Hände, zur Verdeutlichung von Poren, Venen und Muttermalen vergrößert. Eine Expedition in die Geheimnisse des sich permanent verändernden menschlichen Körpers als wahrhaftigem Informationsträger des Seins.

Valentina Bardazzi: Parenthesyne #3, 2007, Acryl und Bleistift auf Holz, 70 x 30 cm

Der Titel – ein Wortspiel – beruht auf einem Missverständnis: eine zu exzessivem Nägelkauen (eine Selbstverletzung die aus Angstzuständen und akuten Panikattacken herrührt) neigende Frau hält den Umschlag mit dem Befund Ihres Arztes gegen das Licht und versucht, den Inhalt zu entziffern. Versehentlich liest sie das (italienische) Wort Paresthesys (Kribbeln oder Taubhaut auf der Haut) als Parenthesyne (kleine Parenthese). Seltsamerweise scheint dieses Wort zur augenblicklichen Wahrnehmung ihrer so beschaffenen Wunden zu passen.

Es ist für dieses Projekt unerlässlich, die Unvollkommenheit des Seins zu portraitieren. Besonderes Augenmerk legen beide Künstler – Bardazzi in ihren Bildern, Magnani in seinen hierzu angefertigten Videos – auf die Falten und Wunden als Ergebnis des zwanghaften Nägelkauens. Mirco Magnani, auch als T.C.O. bekannt, Komponist und Produzent mehrerer Künstler auf seinem eigenen Label Suite Inc. / Suiteque steuert neben den Videos noch die Klangstücke Parenthesyne Suite und Corpus 2 bei, die den eingefrorenen, unbewegten menschlichen Formen wieder etwas Leben einhauchen.

Valentina Bardazzi, 1974 in Prato geboren, graduierte 1995 als Magister Artium am Istituto statale d’Arte Policarpo Petrocchi in Pistoia. Anschließend studierte sie an der International School of Comics in Florenz und graduierte 2002 an der Accademia di Belle Arti di Firenze mit einer Arbeit unter dem Titel „Das falsche Abbild. Ein Ausflug durch die körperliche Methamorphose“. Mehrere Einzelausstellungen in Italien seit 2003 sowie Teilnahme an diversen Gruppenausstellungen.

In Deutschland waren ihre Werke erstmalig bei FRIDEYMICKEL in Berlin von Mitte März bis Anfang April 2009 zu sehen.

Wer die Gelegenheit, Valentina Bardazzis Werke in Deutschland zu sehen, noch nutzen will: im Rahmen einer Gemeinschaftsausstellung von FRIDEYMICKEL sind ihre Bilder vom 23. bis 26. April auf der tease art fair #03 in Köln zu sehen.

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Carnival Within – reviewed by Larama

kadekmedien — Sun, 29 Mar 2009 14:24:16 +0000

Gestern erst, pünktlich zum Ausstellungsbeginn, habe ich einen Beitrag in Art&Events über die Ausstellung Carnival Within – An Exhibition Made in America in den Weddinger Uferhallen veröffentlicht. – Heute um 15:11 Uhr erreichte mich eine E-Mail von einer mir unbekannten Person, die sich „Larama“ nennt, in der sie oder er mir einen Review zu dieser Ausstellung zeitgenössischer amerikanischer Kunst zusandte.

Zunächst war ich etwas ratlos, weil es ja unter den Art&Events-Artikeln eine Kommentarfunktion gibt. Aber anscheinend ist der Text zu lang für einen Kommentar geraten… – Wie dem auch sei, ich habe entschieden, diesen Review hier in voller Länge zu veröffentlichen. Und zwar hauptsächlich, weil „Larama“ darin eine völlig andere Meinung von der Ausstellung vertritt und weil ich sportlich mit meinen Kritikern umgehen will und außerdem die Meinungsvielfalt schätze. Hier also der Originaltext der E-Mail von „Larama“ an mich:

Lamara reviews The Carnival Within

Über dieses „Kunst“-Ereignis habe ich genau die gegenteilige Ansicht. Tatsächlich denke ich, dass fast gar keine Kunst, sondern „Dinge“ gezeigt wurden. Offensichtlich kann man immer viel Bedeutung und Erklärungen für alles schaffen, was gezeigt wird, aber in meiner Ansicht ist das sehr weit von einer Kunstausstellung entfernt.
Das ist wieder ein gutes Beispiel dafür, wie schlecht die Dinge im kreativen Bereich sind, oder mindestens sind die echten Künstler in diesen Ereignissen nicht anwesend.

Screenshot der Original E-Mail von Larama an mich

Ich habe es vorgestern immer wieder stückweise nachgeprüft, und ich fand nichts, was einer anständigen Darstellung von Kreativität – in welcher Form auch immer – nah war.

Abgesehen von den anderen Aktivitäten, denen ich nicht folgte, so kann ich nicht urteilen, ohne den so genannten „Carnival Within“ in Bezug auf das Gezeigte zu sehen, und das ist ein Misserfolg.

Carnival Within - Uferhallen in Wedding - zur Eröffnung am Freitag, 27.03.2009

Bei der großen Mehrheit der gezeigten Gegenstände gibt es nichts, was irgendeine künstlerische Ambition mit dem vorgeschlagenen Konzept verbindet. Angefangen bei einem Karussell mit einem Stuhl, einem Stern mit Licht, den verkorksten Holzbären, von der Decke herab hängende rote Leuchtreklame-Lippen, ein Bündel blauer Ballons, der Ausdruck „Pursuit of Happiness“ (in blauen Buchstaben über die Wand geschrieben), die große Hänge-Marionette, all diese schlechten Videos, die in jeder Weise Kreativität vermissen lassen, und das bei so einem starken Medium, wie das Video eins ist.

Die Ecke bei der Licht-Anzeige „Mullata“, wo es wenigstens eine gute instrumentale von einem großen Musiker geschriebene Musik gab, obwohl die gar nicht Teil des Ereignisses war, und die Interpretation von Mickymaus… Doch das ist nicht genug, um die übrige Abwesenheit künstlerischen Talents zu retten. Ich nehme an, dass sie wirklich reden und viele Erklärungen über all diese Ausstellungsstücke schreiben müssen, weil sie allein nichts aussagen.

Einige gute Fotos waren dort, aber ich schätze, die Definition des Ereignisses und wahrscheinlich die Förderer, die es hatte, bestimmen, dass die Kuratoren sich verpflichtet fühlten, eine „Kunstausstellung“ zu produzieren.

Carnival Within - Uferhallen in Wedding - zur Eröffnung am Freitag, 27.03.2009

Die Leere war nicht wegen des riesigen Raums, der für die Ausstellung gewählt wurde, die war durch den Mangel an anwesender Kunst verursacht. Der große Fehler und das Missverständnis, die häufig bei ähnlichen Ereignissen vorkommen, besteht darin, dass die Erklärungen und die Texte, die sie schreiben, Kunst geschehen lassen. Doch das tut es nicht! Und je mehr sie schreiben und sprechen, umso weniger geschieht es, und zwar aus dem sehr einfachen Grund, dass der grundlegende Wert innerhalb der Stücke selbst liegen muss, in welchem Medium sie auch immer gezeigt werden. Wenn es diesen Wert nicht gibt, ist es einfach keine Kunst und auch die Wörter werden es nicht daraus machen, das ist keine Frage des persönlichen Geschmacks.

In unseren Tagen will jeder ein Künstler sein und glaubt, dass er es kann, aber leider ist das nicht so. Zwar kann jeder irgendwelche Dinge zeigen und Experimente damit machen, aber das ist nicht alles…

Carnival Within - Uferhallen in Wedding - zur Eröffnung am Freitag, 27.03.2009

Ich fürchte, ich muss daraus schließen, dass dort fast keine Künstler waren, sondern Leute, die Sachen mit Dingen machen (und eine Bedeutung oder eine pseudointellektuelle Erklärung dafür abgeben). Aber was immer für eine Erklärung sie finden werden, offenbart sie doch nicht den künstlerischen Wert der Werke und ändert auch nicht den tatsächlichen Mangel an künstlerischem Wert.

Sie haben alle das Recht, Dinge zu zeigen, aber wir haben auch das Recht, zurückzuweisen, was sie uns als Kunst präsentieren, und sogar sie selbst als Fake-Künstler abzulehnen.

Das ganze Konzept des Post-Bush-Amerika mag in der Literatur und bei den Lesungen des Programms widerspiegelt werden, aber bestimmt nicht bei dieser visuellen Ausstellung, tatsächlich fühlte es sich für mich ein bisschen so an, als gebe es eine politische Erklärung.

Es gibt ein Ziel, das sie meiner Meinung nach erreichten, nämlich sie haben in Wirklichkeit „No Carnival Within“.

Ich habe die erstaunliche Tradition des Karneval-Feierns in den Ländern gesehen, wo das echte Tradition ist, geladen mit Seele und Geist, Demonstrationen von Kreativität und Kunst, gemacht von Leuten, die sich selbst nicht Künstler nennen. – Vielleicht sollten die Leute dieser Ausstellung etwas von diesem Saft trinken, um anzufangen, ihren Verstand auf eine kreative Weise zu bewegen.

Gesagt, was ich gerade sagte, respektiere ich wirklich diejenigen, die es mögen, aber stimme bei allem Respekt mit denjenigen nicht überein, die Kunst darin finden.

Ich hoffe sehr, dass die anderen Aktivitäten wie Literatur und Musik nicht ebenso schlecht sind wie der Rest.

Larama

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Requiem für die Verbandskunst

kadekmedien — Fri, 13 Feb 2009 08:29:28 +0000

Nachtrag zur Ausstellung „Quaternio IV“ in der Galerie im Turm

Es ist müßig und beschwerlich und wird weder den Künstlern noch ihren Werken auch nur annähernd gerecht, wenn ich – wie in meinem ersten Art & Events-Beitrag – im Wortsinn über Nacht eine Ausstellungsankündigung entlang von Presse- und Katalogtexten schreibe.

Jetzt weiß ich immerhin: Quaternio ist ein Wort-Spiel mit der Zahl vier, 1996 von der Berliner Künstlerin Karla Woisnitza initiiert. Die Ausstellung findet alle vier Jahre statt, war ursprünglich so konzipiert, vier Künstler aus vier Ländern zu zeigen. Bei „Quaternio III“ 2004 waren es bereits fünf, gestern bei „Quaternio IV“ gar sechs Künstler.

Der wichtigste Eindruck, der sich mir aufdrängte, war der, dass die „Verbandskunst“ (bezieht sich auf den Ursprung der „Galerie im Turm“ als Galerie des Verbands bildender Künstler in der DDR) tot ist. Dieser traurige Eindruck bezieht sich auf die wichtigsten Aspekte der Ausstellung: die künstlerische Intention hinter den Werken der teilnehmenden Künstler (hier gibt es Ausnahmen auf die ich noch zu sprechen komme); die semi-akademische Art, wie die Ausstellung gemacht wurde; und in gewisser Weise auch das sich berauschende Publikum.

Eric Beets’ Bilder etwa, die in ihrer Abstraktheit heute durchweg altmodisch und nichts sagend erscheinen. Das soll nicht etwa heißen, sie seien uninteressant – Beets drückt immerhin mit dick aufgetragenen Farbschichten seine subjektiven Stimmungen und somit, wenn man so will „Launen der Natur“ strukturiert und die Natur selbst schon beinahe peinlich präzise imitierend aus. Es stellt aber auch keinen Widerspruch dar, seine Bilder gleichzeitig als profan und langweilig zu empfinden, weil sie sich so gänzlich der Interpretation entziehen und man heutzutage Ähnliches schon bis zum Überdruss gesehen hat.

Jeroen Olthofs „Lichtblick / Berlin“-Objekt vermochte seine magische Wirkung in diesem Ausstellungskonzept und in diesem Raum gar nicht richtig zu entfalten. Es wirkte eher wie eine von einem anständigen Handwerker ordentlich angefertigte Arbeit, die dem einen oder anderen Besucher mehr oder weniger hinderlich im Wege standen. – Ich bin sicher, in einem anderen Kontext und in anderen Räumen hätte diese Arbeit mehr Kraft entfalten können: schade drum.

Marie-Louise Leus’ Bilder wirkten vor allem, weil sie mit Weiß auf schwarzem Grund gemalt waren. Doch so magisch ihre ornamentalen Motive auch sein mögen, die Bilder überzeugten nicht und vermittelten auch keine wirkliche künstlerische Intention jenseits der bloßen Beschäftigung mit Malerei.

Karla Woisnitzas Arbeit „Miroir“ ist ob ihrer Abstraktheit ebenfalls altmodisch. Auch wenn die auf langen Bahnen gemalten Tuschestrukturen Assoziationen wie „Schriftenrollen“ / „Scrollen“ hervorrufen und somit einen wie auch immer gemeinten spielerischen Bezug zu modernen Medien herstellen. Im Kontext dieser Ausstellung dienten Sie lediglich als Blickfang ohne jede innere Kraft.

Aglaia Haritz’ genähte Szenen, die mit applizierten Zeitungsfotos ihr tagesaktuelles Selbstverständnis reflektieren, sind vom individuellen künstlerischen Standpunkt aus betrachtet durchaus interessant, wenngleich sie auch noch nicht die Kraft besitzen, das eigentliche künstlerische Anliegen ihrer Schöpferin angemessen auszudrücken.

Die große Überraschung waren die Bilder von Gun Holmström aus der Serie „Veck“ (zu Deutsch: Falte). Drei in ihrer ebenso schlichten wie unbedingt überzeugenden Ästhetik die Blicke des Besuchers sofort auf sich ziehenden Computergrafiken. Und eine Multimedia-Arbeit – mir gefällt der Begriff Video-Gemälde besser –, die in der Lage ist, die individuelle künstlerische Auffassung von Abstraktion wirklich sehr gelungen mit modernen Mitteln zu kombinieren. Das hat Kraft, die eine bessere Präsentation verdient hätte.

Unglaublich altmodisch war auch die Eröffnungszeremonie mit den einführenden Ansprachen des Ausstellungsmachers, der Kultur-Bezirksstadträtin und einer Kunsthistorikerin. Nicht die freundlichen Worte die sie für die Künstler und die Ausstellung fanden, sondern das peinlich spießige Ritual, die Art und Weise, wie solche Reden gehalten werden, riefen in mir das Bild vom Zu-Grabe-Tragen der Verbandskunst hervor. Dieser Eindruck verstärkte sich noch, als Karla Woisnitza vorschlug, darüber abzustimmen, ob sie die ihrer Meinung nach gelungenen Katalogtexte des Ausstellungsmachers Christoph Tannert vortragen solle. Zum Glück wiegelte Frau Dr. Sibylle Badstübner-Gröger dieses abwegige Ansinnen mit der Bemerkung ab, die Leute mögen gefälligst den Katalog kaufen ;-)

Das Besucherpublikum, das sich schon allein wegen der Künstler international zusammensetzte, fügte sich nahtlos in meinen Eindruck von „Verbandskunst“ ein, indem es mit hochgezogenen Augenbrauen so eine Aura von akademisch gemeinten Ahs und Ohs verbreitete. Dazu passte auch hervorragend der beinahe schon zwanghaft exzessive Genuss von in Strömen ausgeschenktem Wein.

Natürlich kann man nicht von jeder Galerie erwarten, einfach mal Neues auszuprobieren, wie letztens die KOMET-Galerie in der Brunnenstraße, als jemand anlässlich der Vernissage sein Wägelchen vorm Eingang aufbaute und zur allgemeinen Überraschung Zuckerwatte feilbot. – Aber wenn man wie ich gar nicht trinkt, fällt einem insbesondere olfaktorisch auf, mit welcher Gier die Kunstliebhaber den gratis ausgeschenkten Wein nachfragten. Und als denn auch die Luft allzu sehr mit saurem Atem angereichert war, hielt ich den Zeitpunkt für gekommen, den Abend anderweitig zu verbringen.

Herzliche Grüße aus Berlin,
Klaus-Dieter Knoll
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